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07.11.09
24º Festival Internacional de Cine Mar del Plata

Competencia Internacional

                                                

 

Vikingo (Jose Celestino Campusano, Argentina, 2009), por Jose Luis De Lorenzo

Segundo largometraje de Jose Celestino Campusano, junto a su productora Cine Bruto. Ganadora del Work In Progress del 23ºFestival de Cine de Mar del Plata.

Tras presentar el año pasado una de las sorpresas en el Festival, Vil Romance,

ésta vez Campusano ahonda nuevamente sobre personajes dentro del conurbano bonaerense, una tribu de motociclistas apasionados en su submundo, con códigos caracteristicos, realidades inherentes a la convivencia, experiencias de vida, la relación con las drogas en menores. El personaje principal es “Vikingo”, una especie de rey del clan, un hombre a quien no debe confundirse por su aspecto, detrás de su coraza de “tipo rudo”, con sus tatuajes, cuero y artesanias yace un ser magnífico, digno de un lider, honesto, con valores, brutal.

Al mostrarnos este submundo real, aquí nadie duda que lo acontecido por màs que sea ficción pueda suceder, y es allí al igual que en sus otros trabajos donde Campusano gana al espectador, con su credibilidad. Sin importar que los interpretes sean no-actores, cuestión que se nota abruptamente por momentos, en particular las miradas a camara, capaz algo a tener en cuenta en sus futuros proyectos. A favor, la puesta en escena, fotografía y sonido, se ven notablemente mejorados en relación a su anterior realización.

 

 

Francia (Israel Adrián Caetano, Argentina, 2009), por Matías Orta

 

Caetano suele sorprender. Por eso ahora nos trae una de sus obras cumbres junto con Un Oso Rojo y Crónica de una Fuga.

Mariana (la estupenda Milagros Caetano, hija del director), una niña de doce años, vive una época  especial. Para  empezar, es hija de padres separados. Su madre (una ultranaturalista Natalia Oreiro), hace lo que puede trabajando encasas de gente bien si es que no está borracha. El padre (Lautaro Delgado) es un gris empleado de fábrica que se queda sin nada, debe tratarse por problemas de abuso contra sus mujeres, pero igual trata de hacer feliz a la niña, quien además tiene inconvenientes escolares y no aprende a escribir bien porque se la pasa escuchando música en vez de leer. A pesar de todo, todos hacen lo que pueden para seguir adelante, más alá de que, cómo dice el poema que aparece  en la película, no hay posibilidades de ir a Francia.

No hay género más complejo y delicado que el de la comedia dramática. Caetano supo estar a la altura y nos dio un film pequeño, intimista, con momentos muy duros y otros muy graciosos. También se destacan en lo actoral Mónica Ayos, Daniel Valenzuela, Violeta Urtizberea y Lola Berthet.

Imperdible.

 

 

Francia (Israel Adrian Caetano, Argentina, 2009), por J.L.D.L.

Atípico y netamente el film más personal de Caetano, un director que ha sabido contrastar realidades de la sociedad argentina en sus anteriores registros filmicos y para TV. Lejos del drama policial, carcelario o realista que ha presentado en otras, aquí se interioriza en un drama familiar, una pareja separada que tiene una pequeña hija con desordenes de conducta canalizados en el ambiente escolar. Padre (Lautaro Delgado), Madre (Natalia Oreiro) e hija, tambien del director del film (Milagros Caetano).

La interacción de los tres personajes no solventa lograr una mirada consistente sobre la temática que se desea contar. El film queda a medio camino de encontrar una senda por la cual llegar a su cometido. Las actuaciones son apenas correctas, Natalia Oreiro, con un rol distinto a sus anteriores, una mujer que debe salir a trabajar como servicio de limpieza de una adinerada y caótica mujer mayor.

El film gira sobre el eje del personaje de Mariana, la hija, un rol hecho a medida de Milagros, quien está realmente bien a pesar de algunos sobresaltos o inexperiencia actoral, el film se mueve con sus pasos, sus presencia y ausencias. Denota la problemática infantil ante situaciones que involucran a mayores e implícitamente a menores.

 

 

Francia (Israel Adrián Caetano; Argentina, 2009), por Romina Gretter

 

Tibia, tibia. Esa es la mejor palabra que se me ocurre para definir esta última producción de Adrián Caetano. Veamos: una historia sencilla que nos cuenta Mariana, una niña que nos presta su visión sobre el mundo adulto. Unos padres trabajadores, de clase media baja, separados y agobiados siempre por problemas económicos. La necesidad hace que vuelvan a convivir los tres. Mientras tanto Mariana (quien se hace llamar Gloria) se escuda en la tecnología (escuchando música de su reproductor de CD a través de los auriculares o sacando fotos con su teléfono celular) para evitar sentirse arrastrada por los conflictos cotidianos de su familia.

Nada hay en la historia que sea relevante, nada en las actuaciones que se deba destacar. Lo más pomposo de la película, el tema musical final acompañando un pseudo final feliz (e infantil). Eso sí, Francia cuenta con una secuencia maravillosa, sin desperdicios en lo que atañe a la utilización del sonido, de diálogos que se repiten y se yuxtaponen, de una ralentización de las imágenes y de un trabajo general de montaje. Esa secuencia del intento de suicidio de la empleadora de la mamá de Mariana, es lo suficientemente buena para que al término de la película pese a tanta tibieza uno pueda sentirse satisfecho.

 

El Cuerno de la Abundancia (The Horn Of Plenty, Juan Carlos Taibo, Cuba-España, 2008), por J.L.D.L.

 

Comedia cubana de Juan Carlos Taibo, director de Fresa & Chocolate y Guantanamera, nuevamente con Jorge Perugorria como actor principal y parte del elenco de la primera mencionada, con un elenco adicional irrefutablemente creible.

Natural y comica, El Cuerno…trata sobre una tipica familia cubana, dentro de sus integrantes, un padre testarudo 100% a favor de la revolucion cubana que ve conspiraciones estadounidenses ante cualquier suceso, una madre sobreprotectora de sus hijos, inclusive del exiliado por su orientación sexual no aceptada por parte del padre, una hija ya con varios niños, madre soltera y, Bernardito, el tercer hijo sobre quien sobrecae el peso de la narración en off y principal protagonismo.

Una noticia alborota a los ciudadanos del pueblillo, todo aquel que tenga apellido “Castiñeira” puede postularse para el cobro de una herencia millonaria (Castiñeira es un apellido muy frecuente en Cuba), suceso que cambia la vida del pueblo mostrando un abanico de situaciones relacionadas al comportamiento humano en una circunstancia dentro de la cual el dinero hace ver hasta lo peor de las personas.

Peleas entre ricos y pobres, amorios truncos debido al no poseer el buscado apellido, abordado con un tinte de comicidad tal y al hombro de una entrañable labor de Peugorria.

 

 

El Cuerno de la Abundancia (Juan Carlos Tabío; Cuba/ España, 2008), por R. G.

 

Aunque ganadora del voto del público como mejor película, no se trata para mí ni remotamente de una de las producciones más interesantes ni divertidas que se exhibieran en Mar del Plata. No aporta nada nuevo a lo visto en otras películas cubanas, a ese retrato costumbrista, alegre y colorido de la gente de la isla. Para el caso, mejor ver Guantanamera de Tomás Gutiérrez Alea (1995) un road movie cargado de genuinas situaciones cómicas y de enredos de toda índole, que no dejan de lado sin embargo, una critica a los problemas socio-económicos de Cuba.

El Cuerno de la Abundancia cuenta la historia de un grupo de personajes, encabezados por Bernardo, que se apellidan Castiñeira y que buscan heredar una parte de la cuantiosa fortuna que se encuentra guardada en un banco británico. Ante la esperanza de recibir una importante cantidad de dinero que cambiará sus vidas, se suceden los enfrentamientos y embrollos (amorosos, familiares, vecinales) entre los supuestos futuros herederos. Hay humor, pero este es bastante predecible y liviano, no llegando a rozar mínimamente (aunque lo aparente) una real crítica social. Y esto a diferencia de su título se trata de una carencia. 

 

 

 

V.O.S. (Cesc Gay, España, 2009), por J.L.D.L.

Basado en una obra de teatro que ha estado en cartel por más de 2 años, con parte del elenco original, Cesc Gay adaptó esta obra a la pantalla, V.O.S = Versión Original Subtitulada, es una comedia romantica donde la ficcion atraviesa la filmacion para interrelacionarse con un grupo tecnico de filmacion del proyecto. Con puntos en comun a otros films que han abordado ésta misma particularidad, encuentro muchos puntos en común con Aquel Querido Mes de Agosto, film presentado y ganador del BAFICI 2008, tambien otras como La Rosa Purpura del Cairo.

La diferencia que radica en el film de Gay, es una mayor simpleza y efectividad del guión donde los sucesos transcurren con ejemplar fluidez. Se destaco el grupo de los cuatro protagonistas principales, en los que la quimica que tienen es abrumadora.

Dos amigos esperan fuera de una sala de parto el nacimiento de un bebé, al salir, el doctor pregunta si el padre quiere verlo, quien indica que si, pero la pareja actual de la mujer que ha parido es su amigo. Conflicto que sirve de entrada al relato de todo lo acahecido con anterioridad. Los roces de parejas, el querer tener un hijo frente al limite de edad para concebir un hijo en la mujer, el desgaste.

El film contó con la presencia de Gay y una de las actrices principales Vicenta N’Dongo, quienes dieron una conferencia para el publico presente en sala.

 

 

V.O.S (Cesc Gay; España, 2009), por R. G.

Escapándose de la convencional comedia romántica, esta obra escrita y dirigida por Cesc Gay, está basada en la pieza de teatro de Carol López. Narra una misma historia contada a través de la mirada de cuatro personajes; cuatro amigos que devienen parejas y es allí cuando todo comienza a complicarse. Amor, amistad y relaciones personales son algunos de los temas retratados. Sin embargo, estos son tal sólo el transfondo necesario para poner sobre el tapete lo que realmente quiere significarnos el realizador: lo difícil que es establecer que es ficción y que es real a la hora de contar una historia, sobre todo audiovisualmente.

Lo importante aquí no es aquello que se nos cuenta, más bien el modo de hacerlo. Para ello, el trabajo interpretativo de los cuatro protagonistas es fundamental. Los mismos actores que participaran en obra teatral son los que aportan ahora bajo la dirección de Gay, sus improvisaciones e impronta. Destacándose entre todos, la labor de Vicenta Ndongo.

Merecida ganadora del premio Astor de Plata al mejor guión, V.O.S. logra entretener alejándose de la narración original, pero sin ahondar o mejor dicho, sin sobresalir en otros aspectos cinematográficos que los antes mencionados.

 

 

Life During Wartime (Todd Solondz, EE. UU., 2009), por M. O.

Uno ya sabe qué esperar de Solondz, y el director no está dispuesto a traicionarse, aún sabiendo que hace lo de siempre.

Life… es la continuación de Felicidad, pero con otros actores haciendo de esos personajes. Otra vez está la familia disfuncional, la pedofilia, los niños confundidos, la obsesión por mostrar la cara más mugrienta de la sociedad norteamericana.

Si bien da la sensación de ser siempre lo mismo, hay momentos de humor negrísimo y actuaciones adecuadas al asunto. No era para menos viniendo de un reparto extraño pero funcional: el irlandés Ciarán Hinds, Shirley Henderson, Charlotte Rampling (hace de una prostituta vieja), pero más que nada llaman la atención dos ex íconos culturales, aunque de alguna manera lo siguien siendo: Ally Sheedy y Paul Reubens. Sí, el otrora Pee Wee Hermann.

Para fanáticos del director.

Porque ya saben: mejor Solondz que mal acompañado.

 

 

Life During Wartime (Todd Solondz, EE.UU., 2009), por J.L.D.L.

Semi-secuela de Happiness, regresan al guion los personajes originales pero, interpretados por otros actores. El dilema de Bill, el padre pedófilo en su retorno luego de haber cumplido condena, las hermanas Trish y Joy, y Allen, el protagónico que llevó a la cima a Phillip Seymour Hoffman como un adulto que hace llamadas por teléfono perversas.

Presentada en proyección de HD, el particular Solondz, distante de sus ultimos y no tan reconocidos trabajos Palindromes y Storytelling, vuelve a las bases de sus irónicas y perturbantes historias como ha logrado en Welcome to the Doolhouse y Happiness. Su punzante guion continua demarcando el particular punto de vista del director que decide por adentrarse en la psiquis de personajes conflictuados, con problemas sexuales, los “no aceptados” socialmente, las frustaciones por los “no entendimientos”, y muchas más y complejas situaciones de la convivencia familiar y de pareja. Solondz es un director que iza la bandera de los incomprendidos, con un cinismo característico y en este proyecto brindando un paso más, esgrimiendo una severa y directa critica politica hacia los estadounidenses.

El film no cuenta con la tenacidad y provocación que tuvieron anteriores, quizas un Solondz mas adulto, mas austero.

Ejemplares trabajos de Allison Janney, Paul Reubens, Sherley Henderson y el inefable Michael Lerner.

 

Life During Wartime (Todd Solondz; Estados Unidos, 2009), por R. G.

Aunque se trate de una continuación atípica de otra película de Solondz como Felicidad, y según el propio director también de Welcome to the Dollhouse, Life During Wartime se disfruta y se comprende sin necesidad de conocimientos previos sobre esas obras que la preceden.

En una ingeniosa y única combinación de humor, absurdo, temas sórdidos, desequilibrios emocionales y una  angustiante y errática búsqueda del amor, los personajes se desplazan por la pantalla provocando en nosotros las más variadas sensaciones. Nos reímos (y mucho) es cierto, pero a la vez nos emocionamos, porque Solondz consigue magistralmente, que nos suscribamos a su idea de que no hay nada más parecido a la guerra que la vida misma.

Para mí la mejor película en este festival, o al menos de la que más he disfrutado.  

 

  

 

Mother (Bong Joon-Ho, Corea del Sur, 2009), por J.L.D.L.

Bong Joon-Ho ya ha demostrado con The Host su gran talento por la dirección de generos, en aquella había conjugado el drama con la comedia y el cine fantástico, aquí, con Mother, el desafío es completamente distinto, a mayor escala sobre un drama que toma distintos tintes a medida que transcurre.

Una madre que sobreprotege a su único hijo, producto de un amorío casual, un joven con dificultades y determinada discapacidad, sin importar los lios en que éste se involucrara, su madre siempre estará alli para retarlo, cuidarlo…

Los problemas van en creciente, se convierten habituales las idas y venidas con la policia, las detenciones y finalmente un crimen, pasional, accidental o real?, es lo que irà desarrollando el film, la busqueda de la verdad de una madre desesperada, con cuestiones ocultas del pasado que llegan a determinar hasta qué punto puede llegar el amor de una madre.

El film genera tensión y suspenso incesante, en gran parte debido a los distintos estados por los que deambula el film, sostenido por una excelente interpretación de Kim Hye-Ja como la madre. La mejor interpretación femenina que he visto dentro de los films consideracos en la competencia.

 

 

5 Dias sin Nora (Nora’s Will, Mariana Chenillo, Mexico, 2009), por J.L.D.L.

Uno podria decir que ya se ha tratado cinematográficamente cuantiosas veces la muerte de un ser querido, que se lleva consigo secretos intimos e ir a partir de ahí construyendo una busqueda por conocer facetas de alguien que se creia conocer.

5 Dias sin Nora, trata de estos temas, pero se afirma aun màs y con tono de una acida comedia, las imposiciones de la religión. Nora se ha suicidado, ha dejado absolutamente hasta el menor detalle arreglado para luego de su partida, inclusive la comida para que sus familiares tengan una cena religiosa, olvidando que la religión en este caso no permite realizar un entierro en epocas de Pesaj, menos aun si la causa ha sido un suicidio. Queda en manos de su ex esposo, tomar las riendas de las decisiones a tomar, Kurtz, un hombre completamente dejado de la religión y de aquellas imposiciones que las estructuras de las diversas fundaciones religiosas implican.

El film brilla por la forma de tratar el tema y lo querible que se convierte el pesonaje de Kurtz aun con sus mañas.

 

 

 

Letters to Father Jacob (Klaus Haro, Finlandia, 2009), por J.L.D.L.

Film finlandes que acaba de ser seleccionado para representar a su pais para la proxima entreda de los premios Oscar.

Un drama soporifero de calidad Hallmark. Una mujer sentenciada a prision perpetua es enviada a la casa de un cura ciego, Jacob, como parte de su reinserción en la sociedad, ésta adopta el responder las cartas que le son enviadas al cura entablando asi, una particular relacion entre ambos.

 

 

The Time That Remains (Le Temps Qu’Il Reste, Elia Suleiman, Francia-Belgica-Italia-Reino Unido, 2009), por J.L.D.L.

Suleiman recrea en diferentes decadas los pesares de una famila en el conflicto Palestina-Israel. Desde una ciudad rural, la convergencia entre la familia integrada por un padre, madre e hijo, con el correr de los años va cayendo en los sucesos de similar tenor, la relacion con disparatados vecinos, las requisas policiales, las huidas.

Durante el trayecto final del film, el propio Suleiman interpreta al menor ya crecido, un chico que ya desde su infancia presentaba rasgos de timidez, el director encarna a un personaje inconfundiblemente digno de homenajear a Buster Keaton, en su soledad, el cuidado de su madre, sus gestos, sus muecas. Es aquí donde el director pone todo su peso de comicidad en en la obra, que si bien, dispar por momentos, es cuando logra su mayor cometido, el de lograr vincular un tema tan trillado dramáticamente con la comedia.

 

 

Dogtooth (Yorgos Lanthimos, Grecia, 2009), por J.L.D.L.

Comprometido film, irracional, provocador al momento de querer de mostrar una situación hipotetica, la vida de una familia dentro de un hogar, conformado por 3 hijos que no conocen el exterior y han vivido a razon de lo que sus padres les han enseñado y transmitido.

Si bien el planteo es interesante, la banalidad con la que se desarrolla el relato y la intención del realizador me resultaron al borde de la provocación gratuita.

 

 

Dogtooth (Yorgos Lanthimos, Grecia, 2009), por Rodolfo Weisskirch.

Pretenciosa, sádica, provocativa. Esta segunda obra de Lanthimos, demuestra que no por tener planos demasiado simétricos, fijos, eternos por momentos, y temas tabú como el incesto, el proxenetismo dentro de una misma familia, y el encierro, se puede hacer una buena película.

Mediocres interpretaciones, situaciones forzadas y un final demasiado previsible terminan por arruinar esta obra, que relata los pormenores de una familia, que vive aislada del mundo exterior, en una especie de country. El padre trabaja en una fábrica, la madre es ama de casa, y los tres hijos (dos mujeres y un hombre) han sido educados para que no salgan de los parámetros de la cerca de madera. Sin embargo para inculcarles el miedo a lo externo, a medida que crecen y empiezan a aflorar las hormonas, el padre inventa un hermano mellizo del único barón, que supuestamente sufre del otro lado de la cerca.

La psicología de las tres criaturas es deficiente, la inteligencia y curiosidad, prácticamente nulas. Su director lleva la demagogia y la manipulación a provocativos extremos, que no logran justificar su contenido ni desde la puesta en escena, ni desde el argumento.

La metáfora comparativa obvia entre los desórdenes familiares y los perros carroñeros, dejan en claro, quiénes son los enemigos desde el principio.

Como si fuera poco no termina de salir de varios estereotipos, lugares comunes, se pueden encontrar baches narrativos (la guardia de seguridad del trabajo del padre desaparece de  momento a otro). Una película que no cumple sus objetivos, los de provocar, porque la paupérrima intención del guionista/director se agota a los pocos minutos.

 

 

Dogtooth (Yorgos Lanthimos; Grecia, 2009), por R. G.

 

Si hubo una película que supo dividir opiniones entre quienes la vieron, fue Dogthooth. A la salida de la proyección de prensa, estaban quienes se quejaban por el tiempo perdido y hasta los que se sentían molestos por la inclusión de este tipo de películas en un festival. Otros, entre quienes me incluyo, nos sentimos atraídos ante una historia diferente, producto de especulaciones que como comenta su director surgieron a la pregunta sobre que pasaría en un futuro si la institución familiar dejara de existir tal y como la conocemos.

Lanthimos nos introduce en un mundo abiertamente claustrofóbico, donde tres jóvenes hermanos (dos mujeres y un varón) son manipulados por sus padres, quienes restringen su libertad e inventan todo tipo de juegos y reglas para someterlos a su voluntad. Pero un día, esa creación enfermiza y abusiva es puesta en jaque ante la llegada de un ser exterior a la familia.

Nunca se nos termina de explicar el motivo que impulsa a los progenitores a tratar de ese modo a sus hijos, sólo sabemos que en ese mundo ordenado y repleto de consignas por cumplir, el sexo- a diferencia de lo que se podría esperar- se práctica casi continuamente permitiéndose incluso actos de incesto.

Hay en la puesta en escena, en el trabajo de los intérpretes (realmente muy bueno), en el uso de la cámara en mano, en los travellings y en ciertos encuadres una influencia del Dogma 95, más precisamente de uno de los primeros films del movimiento: Los Idiotas de Lars von Trier (1998); esta relación puede vislumbrase también por su temática.

Dogthooth que tiene el don de no dejar inmutable a nadie, despierta un súbito interés en descubrir futuros obras de Yorgos Lanthimos como a su vez, al menos en mi caso, acceder a su ópera prima Kinetta.

 

 

Nothing Personal (Urszula Antoniak, Holanda-Irlanda, 2009), por J.L.D.L.

 

Un film que se toma sus tiempos para recorrer un largo camino, al igual que la protagonista, Anne (Lotte Berbeek), una chica que emprende un viaje para dejar atrás con un pasado del que poca informacion se infiere. En dicho emprendimiento conoce a Martin (Stephen Rea), un solitario adulto que vive en una comarca alejada de la civilización. Ella necesita alimentarse a cambio de trabajo, los dias pasan y entre ellos surge una relacion con una distancia ocasionada por el entrelazo que apenas Anne permitirá. Asi, distantes, sin permiso de cuestionarse inclusive lo màs minimo.

 

 

A Man who Ate his Cherries (Payman Haghani, Irán, 2009), por J.L.D.L.

Previsible esbozo sobre un trabajador que decide desvincularse sentimentalmente de su mujer, divorciarse, en un Estado dentro del cual como norma debe devolverse la dote a ex esposa. esto vuelve al protagonista a girar en circulos constantemente, por una delgada linea donde la necesidad por conseguir el dinero que no tiene lo lleva a idear planes extremos para concretarlo.

 

 

A Man Who Ate his Cherries (Payman Haghani; Irán, 2009), por Romina Gretter

 

Fresco intimista que exalta elementos propios del estilo narrativo iraní; prevalece un meticuloso trabajo fotográfico, una puesta en escena minimalista y la importancia de la historia retratada.

Abordando temas que reflejan las particularidades de su cultura, esta ópera prima de  Payman Haghani logra expresar conflictos universales tales como la falta de recursos, las complicaciones del divorcio, el orgullo herido, la imposibilidad de acceso a créditos bancarios, la falta de vivienda propia, la negación de la soledad, ect.

Reza es el protagonista de A Man Who Ate his Cherries quien luego de su divorcio debe encontrar el modo de pagar la dote a su ex esposa, Zarí. Tras una serie de intentos vanos por conseguir el dinero, Reza está dispuesto arriesgar su vida con tal de cobrar el seguro que solucione sus problema económicos.

Propuesta intensa y visualmente atrayente, que sin embargo, no debería verse a tempranas horas de la mañana, medios dormidos y en ayunas como hiciéramos mis compañeros y yo…

Mal Dia para Pescar (Bad Day to Go Fishing, Alvaro Brechner, Uruguay, 2009), por J.L.D.L.

 

Coproducción Uruguaya-Española sobre una dupla de estafadores itinerantes. El “principe” Orsini es el manager del evento que consiste en un reto dentro de un ring donde un ya apagado rey del catch ofrece una suma de dinero indicando no dejar dentro del ring al contrincante por mas de 3 minutos.

Todo esto ha salido de maravillas, hasta que se encuentran en un pueblito donde aparece un contrincante donde la duda sobre ganar se acrecentará, Orsini no tiene el dinero de la apuesta y hará todo lo que estè a su alcance para que la velada no se realice.

Gary Piquer interpreta al tan peculiar principe, con mucha convicción y esmero, pero sin sorprender.

 

 

Room and a Half (Andrey Khrzhanovskiy; Rusia, 2009), por R. G.

 

Dos premios ganó esta película: mención especial en la Competencia Internacional y otro no oficial entregado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos Argentinos. En ambos casos, el jurado alababa su poesía y belleza cinematográfica. Es que Room and a Half posee una potencia visual muy poco frecuente de ver. Valiéndose de casi todos los recursos formales existentes, el realizador ruso eleva su trabajo a la categoría de obra de arte.

Este biopic basado en las memorias del poeta Joseph Brodsky (quien fuera premio Nobel en 1987) conjuga con maestría material de archivo, animación, información documental, fotografía blanco/ negro y color, música… y todo esto filtrado por una enorme y profunda imaginación. Pero no debemos creer que su riqueza se advierte solamente en sus formas, su estructura narrativa es igualmente preciosista y arrebatadora.

Como comentábamos con Rodolfo Weisskirch, nos recuerda al realismo mágico de las cinematografías de los países del este, como la del director checo Jirí Menzel (quien también basaba sus guiones en obras literarias). Había en su cine una fuerte presencia de la memoria para traer al presente recuerdos nostálgicos. En algunos de sus films, la utilización de la voz en off y el cierre en iris sobre una imagen, remarcaban la sensación de encontrarnos ante un cuento sucedido ya en un tiempo irrecuperable. Estos aspectos se advierten también en  Khrzhanovskiy, al igual que la importancia dada a la sensualidad, manifiesta en escenas cargadas de sutil erotismo. Si una de las últimas obras de Menzel, Yo Serví al Rey de Inglaterra, era una satírica travesía hacia la historia, Room and a Half es entonces una poética travesía a una historia, la de Brodsky. Pero también al genio creador de Khrzhanovskiy.

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