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05.11.10
25 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

Panorama

PANORAMA

Poetry (Lee Chang Dong, 2010), por Jose Luis De Lorenzo

Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en 63ºFestival de Cannes.

http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/787-diario-del-festival-dia-7.html

La historia de una abuela que convive con su nieto, éste junto a un grupo de amigosha cometido una violación de una menor que culminó en un suicidio. Los padres del resto del grupo conocen la situación y deciden realizar un arreglo económico con la madre de la víctima.  Ella, sin dinero tambien cuida de un mayor cuadripléjico e inicia un taller de escritura, básicamente de poesía.

Su vida maltratada, con complicaciones de salud, obligaciones y sentido de culpa por la acción del menor, ocasiona que la mujer derive en una lucha por poder retrotraer lo acahecido y buscarle un nuevo sentido a su vida.

Poetry recuerda en muchas instancias a Mother, sin dejar de ser uno de los mejores films que integran la Competencia Oficial.

Ha Ha Ha (Hong Sangsoo, Korea, 2010), por J.L.D.L.

Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en 63ºFestival de Cannes.

 http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/792-diario-del-festival-dia-9.html

Inusual comedia dentro de la Selección Un Certain Regard.

Un grupo de amigos se junta para conversar sobre los temas sentimentales que ambos están padeciendo. Uno de ellos es un malcriado por su madre, aun vive con ella y se enamora perdidamente de una mujer que está en una relación, el otro, no sienta cabeza, su novia le insiste en convivir juntos, pero el elude la situación.

Se presentan situaciones graciosas en principios y luego, el film va tomando vuelo hacia otros géneros como es el drama. Muy contenido en no querer pecar de ser pretencioso, Ha Ha Ha es una propuesta divertida y fresca para un Festival que carecía de comedias en su programación.

I Wish I Knew (Jia Zhangke, 2010), por J.L.D.L.

Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en 63ºFestival de Cannes.

http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/774–diario-del-festival-dia-4.html

Descubrí el cine de Zhangke en un Festival de Cine de Mar del Plata, gracias a éste, es imposible no querer involucrarse con sus proximos proyectos. Jia aborda combinando ficción y documental temáticas sociales, relatos de familias, las consecuencias del postmodernismo y en ésta los avatares de la llegada del comunismo a Shanghai, la emigración de familias regionales, los costumbrismos del casamiento, las concubinas, las ejecuciones…

En I Wish I Knew, Jia no sólo participa detrás de cámara sino delante, él es uno de los entrevistados en ésta ocasión.

Presentada en la selección de Un Certain Regard.

 

Tournée (On Tour, Mathieu Amalric, Francia, 2010), por J.L.D.L.

Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en 63ºFestival de Cannes.

http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/752–diario-del-festival-dia-2.html

En Competencia Oficial, Tournée o “En Tour” trata sobre un grupo de mujeres que realizan shows de strip tease en salones a cargo de Joachim, una especie de representante, algo asi como el Ben Gazara de The Killing of a Chinesse Bookie de Casavetes o el Willem Dafoe en Go Go Tales de Ferrara. El contiene a su grupo, es narcisista, cansado de las malas pagas, su fallida excursión en Norteamérica y ahora, su vuelta Europa en un tour por Francia para realizar su show.

Las “chicas”, escandalosas, deambulan por los hoteles baratos que Joachim contrata, sus vidas solamente están arraigadas al show, por fuera alegres, por dentro muertas.

Joachim es padre, ha abandonado sus responsabilidades como tal, ésta vuelta lo tiene sin cuidado, no es el mismo por momentos, resurge un nuevo hombre de a rato, dejando su violencia de lado, algo quiere, algo busca y quizas la clave esté en su grupo de mujeres.

Amalric dirige luego de ocho años, y actúa tambien, el resultado es, un Boogie Nights a la francesa.

Conferencia de prensa realizada el día de ayer:

http://www.festival-cannes.fr/en/mediaPlayer/10411.html

 

Inside Job ( Charles Ferguson, 2010), por J.L.D.L.

Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en 63ºFestival de Cannes.

http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/773–diario-del-festival-dia-3.html

Este documental narrado por Matt Damon inesperadamente logró imponerse en el Festival como la respuesta inteligente a la continuación melosa de Wall Street de Oliver Stone.

Inside Job ahonda sobre todo pequeño detalle relacionado a la gran caída de los bancos en Estados Unidos, con repercusiones ya conocidas por todos. He aquí la evidencia a muchos de los interrogantes, responsables directos entrevistados y otros que, si bien mencionados no han querido ser parte de éste proyecto. Es notorio cómo el entrevistador conoce a rajatabla los detalles sobre los cuales interroga, cuando el entrevistado hace una vista gorda, elude un tema, éste se encarga de no dejar pasar esos momentos.

Un verdadero film documental de denuncia y evidencia.

Vittorio D. (Mario Canale, 2009), por Carlos Federico Rey

La historia de Vittorio De Sica está estrictamente relacionada al nacimiento del neorrealismo italiano. Ladrónes de Bicicletas es, junto a Roma Ciudad Abierta de Roberto Rossellini (donde De Sica actúa) una de las dos películas iniciales de este movimiento que describió con veracidad la realidad social de la Europa de post guerra.  Mario Canale cuenta en Vittorio D la vida de este realizador, narrada a través de sus hijos, de actores y de otros cineastas que reconocen la clara influencia que ejerció el cine de este director y actor en otros artistas.

Directores de la talla de Peter Bogdanovich, Mario Monicelli, Ettore Scola, Woody Allen y John Landis entre otros dan testimonio del testamento fílmico que dejó Scola para las nuevas generaciones de cineastas. Específicamente Landis se queja de que los nuevos directores “no vieron nada de cine clásico” pero remarca que, aunque no hayan visto películas de De Sica, igualmente están influenciados por su cine, ya que el director fue clave en los directores de la generación de los setentas.

Fragmentos de películas como Lustrabotas (1946), Ladrones de bicicletas (1948), Dos Mujeres (1960) o Boccacchio 70 son proyectados en el documental y remiten claramente a la emoción de la época de oro del cine italiano, hoy una industria prácticamente en decadencia con muy pocos realizadores de nivel.

Sangre, Simplemente Sangre (Zhang Yimou, 2009) por Carlos Rey

La versión de Simplemente Sangre (1984) de los Hermanos Coen, una revisión del film noir clásico llevado al oeste de los Estados Unidos, es traspasada a la China feudal donde  Zhang Yimou cuenta la historia del marido que contrata a un detective para asesinar a su esposa y el amante de ella en una versión libre, llena de colores vivos y amplios planos generales de los paisajes (a contraposición de la original, encriptada y oscura) donde la historia de celos y traiciones termina en tragedia. A diferencia de la sobriedad de la película de los Coen, Yimou utiliza excesivamente los recursos propios de la comedia para narrar el conflicto y lo que parecía ser una cinta amena y grácil termina siendo un poco tediosa y obvia. Las escenas de acción están resueltas magistralmente y el preciosismo que logra Yimou en las mismas sigue siendo la marca registrada del director, lo que provoca que, a pesar de algunos problemas formales, Sangre, Simplemente Sangre se pueda disfrutar placidamente.

 

Yo maté a mi madre (Xavier Dolan, Canadá, 2009), por Emiliano Román.

Una auténtica sorpresa, más si se tiene en cuenta que al momento de escribir, dirigir y protagonizar la obra, su realizador contaba con menos de 20 años de edad. Esta edición del Festival de Cine de Mar del Plata nos permitió descubrir a unos de los talentos con más futuro en el cine mundial, no sólo con este film que fue su ópera prima sino también se proyectó el siguiente: Les Amours Imaginaries.

Un drama lo suficientemente cercano a cualquiera de nosotros para que logre perturbarnos y conmovernos por momentos. El enfrentamiento casi bélico que existe entre una madre y su hijo adolescente, cuando no se cuenta con un padre que funcione como corte a esta relación tan conflictiva.

Hubert termina detestando tanto a su madre que el deseo de parricidio se impone cada vez más. La mujer tiene tantas dificultades para escuchar y ver las demandas de su hijo que por momentos dan ganas de matarla. La ambivalencia de los sentimientos de ambos, transforma esta historia en un drama edípico, donde los enfrentamientos, el odio y el rechazo maquillan el inmenso amor que sienten el uno por el otro.

Lo interesante es que ninguno de los protagonistas tiene fuertes rasgos perversos o personalidades siniestras que justifiquen estos afectos tan hostiles. La empatía del espectador va fluctuando entre los dos personajes principales. Los gritos, caprichos, ironías y la contienda tan cotidiana provocan risas en más de una ocasión, aunque también impotencia al ver como estas dos personas van destruyendo el vínculo.

Con un montaje que apuesta a una fuerte estética pop, no faltan el buen soundtrack y las escenas a modo de video clip. Por momentos pierde algo de originalidad, Los 400 Golpes de Truffaut se hace demasiado presente en la historia y es notable la influencia de cineastas como Gust Van Sant y Francois Ozon. De todos modos no deja de ser una dosis de frescura porque a pesar de tener un contenido claramente autobiográfico, este joven canadiense supo hacer de su film, una historia universal, encantadora pero también incómoda.

 

 

I.M. Caravaggio (Derek Stonebarger, EE.UU., 2010), por Oscar Jalife.

I.M. Caravaggio es la primera incursión del realizador estadounidense Derek Stonebarger, y narra el paralelismo entre un joven pintor de la actualidad, Ian Milano, y el famoso pintor Michelangelo Caravaggio, y su estreno mundial se llevó a cabo el 18 de noviembre en el marco del 25° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en la sección Panorama.
 Ahora bien, referidos específicamente a un análisis tanto de forma como de contenido, estilístico como narratológico, es preciso hacer caso de la frase mil veces conocida: “si no tienes nada bueno que decir de alguien, entonces no digas nada”. Entonces solo es cuestión de sustituir el alguien por un algo, y concretizar ese algo  en I.M. Caravaggio.

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PANORAMA / HORA CERO

Kaboom (Gregg Araki, 2010), por J.L.D.L.

(Crítica previamente publicada con motivo de exhibición en el 63º Festival de Cannes.

http://www.asalallenaonline.com.ar/festivales/63o-festival-de-cannes/773–diario-del-festival-dia-3.html)

Araki siempre relaciona los siguientes temas en sus films: homosexualidad, existencialismo, lo fantástico. Kaboom no es la excepción.

Sus trabajos anteriores como en la trilogía comprendida por The Living End, Totally F… Up, y The Doom Generation, fueron innovadores y controversiales. Sus atrayentes excesos sobre tratar una temática sexual entre adolescentes, sus riesgos, inseguridades, siempre con bellos y joviales rostros, abordando connotaciones sexuales que a cierto público puede molestar, en éste nuevo proyecto Araki va por más, luego de un trabajo no tan sostenido como Splendor, Kaboom es una mezcla de su trilogía con elementos de Donnie Darko y Matrix, sus escapes del argumento original enriquecen la experiencia transportándonos a otro plano.

Thomas Dekker (The Sarah Connor Chronicles) la joven estrella hollywoodense que interpretara a John Connor en la ya cancelada serie televisiva, se arriesga.

 

Secuestrados, de Miguel Ángel Vivas (España / Francia, 2010), por Matías Orta

Un matrimonio maduro y su hija adolescente son atacados en su propia casa por unos ladrones. Lejos de conformarse con robar dinero, joyas y otros objetos de valor, los intrusos someterán a sus víctimas a tortura psicológica y, sobre todo, física: golpes, violaciones y cosa aún más terribles.

La segunda película de Vivas remite a film como Horas de terror, obra maestra de Michael Haneke, y a Los extraños, protagonizada por Liv Tyler. Sin embargo, aquí no hay una reflexión sobre la violencia en la sociedad ni tampoco hay un aura misteriosa sobre la identidad  y el propósito de los sádicos ladrones.  Por eso la violencia por momentos es muy gratuita.

La película está compuesta por sólo diez planos, que incluyen mucho uso de steadycam, lo que le otorga a la obra una estética cruda, realista, inmediata, mugrienta. Pero sin muchas ideas de fondo, al  resultado final le falta ese algo que caracteriza a las grandes películas.

Más allá de las opiniones, Secuestrados no dejará indiferente a ningún espectador.

 

PANORAMA / BUSCO MI DESTINO

Scott Pilgrim vs Los Siete Ex de la Chica de sus Sueños (Edgar Wright, 2010), por Carlos Federico Rey

 

Lo que Edgar Wright plantea como esqueleto del film (un joven que conoce a una chica y debe pasar por muchas situaciones para conquistarla) se revela para terminar como una delirante y apasionada película de acción de súper héroes de videojuegos  aunque claro está sin perder en ningún momento su esencia original de comedia romántica.

Wright, autor de las geniales Shaun of the Dead y Hot Fuzz cuenta la historia del bajista de una banda punk, Scott Pilgrim ( el promisorio actor Michael Cera) que traumado por un rompimiento con su antigua novia, conoce a una chica  (la bella Mary Elizabeth Winstead) y se muestra profundamente inseguro en el momento de abordarla. La chica carga un secreto a cuestas, siete tenebrosos ex novio/as que el Pilgrim deberá derrotar para que se concrete la relación entre ellos. El director utiliza un ágil montaje que prácticamente hace volar a la narración, y mediante las peleas entre los ex novios y Scott Pilgrim transforma a la película casi en un ovni dentro del género de comedias románticas donde los amantes de juegos como Zelda o Street Fighter disfrutaran con movimientos coreográficos dignos de esos videojuegos.

 

Scott Pilgrim Vs. Los Siete Ex de la Chica de sus Sueños (Edgar Wright , 2010), por Matías Orta

Romántica, graciosa, fantasiosa, extravagante, fresca, impredecible, original, tierna, musical, animal, popera, vibrante, inolvidable. Son sólo algunas de las palabras que le corresponden a Scott Pilgrim Vs. The World (tal es su nombre original).

En medio del luto posterior al rompimiento con su anterior novia —una estrella pop—, Scott Pilgrim (Michael Cera, antigalán por excelencia, junto a Jesse Eisenberg) comienza a salir con una chica oriental de secundaria, pero al mismo tiempo queda embriagado de amor cuando conoce a Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead, distinta a otras veces pero siempre hermosa), recién llegada a la helada pero vibrante ciudad de Toronto. Entre el joven músico desempleado y la misteriosa chica que gusta teñirse el pelo de colores nacerá una relación. Pero hay un pequeño tema: los siete ex novios de la muchacha aparecen para atacar a Scott, quien, lejos de acobardarse, luchará por lo que más ama.

Basada en el comic de Bryan Lee O’Malley, película tiene una inigualable estética roquera, de dibujo animado (sobre todo animé) y de videojuego, dentro de un contexto de cuasi estudiantina: onomatopeyas y otros efectos sonoros escritos en pantalla —Riiing, etc.—, espectaculares peleas estilo Street Fighter y Mortal Kombat, y hasta elementos de Donkey Kong; chistes tontos  y físicos, y otros dialogados e inteligentes (imperdible parodia de Seinfeld). Los recursos cinematográficos utilizados incluyen pantalla dividida en varias partes, secuencias animadas, montaje furioso e inusual (siempre dentro de una lógica interna muy bien pensada), con elipsis en los momentos menos pensados.

El culpable mayor de esta maravilla es Edgar Wright. Nacido en 1974, venía de dirigir genialidades como Muertos de risa (título argentino de Shawn of the Dead) y Arma fatal (título argentino de Hot Fuzz). Ninguna de las dos se estrenó en cines en este país, pasaron directo a video y DVD. Lo mismo sucedería con Scott Pilgrim, la obra cumbre de Wright, el punto máximo de su capacidad narrativa y imaginativa. Otra vez tenemos personajes que deben arreglárselas para sobrevivir en medio de una situación adversa, convirtiéndose, sin proponérselo, en héroes inesperados, con los que el espectador se puede identificar desde el vamos. Menos mal que el realizador es co-guionista de la película sobre Tin Tin que prepara Steven Spielberg: por fin una película en la que está involucrado se estrenará seguro en todo el planeta, y en salas 3D.

Además de los protagonistas, se destacan Kieran Culkin como el insaciable pero comprensivo amigo gay de Scott; Anna Kendrick como la hermana, y Alison Pill, la cínica baterista de la banda del protagonista, y Aubrey Plaza, la empleada que se la pasa insultando. Por el lado de los ex de Ramona, Jason Schwartzman se luce haciendo de manager megalómano. Y aparecen dos actores que interpretaron o interpretan a superhéroes cinematográficos: Brandon Routh (el Hombre de Acero de la fallida Superman regresa) en el rol de un bajista ultravegetariano, y Chris Evans —Antorcha Humana en Los cuatro fantásticos y su secuela, y el flamante Capitán América en el film a estrenarse en 2011—, como una estrella de acción con poca paciencia.

Debido a su no estreno comercial en Argentina, es bueno que en este festival el público tenga la chance de ver esta obra maestra en 35mm.

Scott Pilgrim demuestra que las historias de amor nunca dejarán de ser interesantes, sobre todo si se encuentra una manera novedosa para contarlas, y que, como dice Pat benatar en su famosa canción: Love is a Battlefield.  

 

PANORAMA / ARTE EN EL CINE

Gainsbourg-Vie héroïque (Joann Sfar, 2010), por M.O.

Aunque no lo parezca, hasta las nuevas generaciones saben quién es Serge Gainsbourg. Compositor, cantante, actor, cineasta, y, sobre todo, mujeriego. Su vida y su obra se volvieron legendarios, y la ópera prima de Joann Sfar los muestra de una manera fresca y novedosa.

La película comienza desde la niñez de Serge (Éric Elmosnino, igualito a S.G.), cuando todavía se llamaba Lucien Ginsburg y debía llevar una Estrella de David por ser judío en tiempos de la Segunda Guerra Mundial, y se extiende hasta su etapa conocida como Gainsbarre, cuando usaba barba, tomaba en exceso y se la pasaba de parranda en discotecas. Por supuesto, sus grandes hitos son plasmados en la pantalla: la creación de “Je t’aime” (tema que conoce casi todo el mundo), su polémica versión de la Marseillaise, en clave de reggae Serge fue uno de los pioneros en experimentar con distintos géneros musciales en Europa, la relación con sus hijos, y sus principales colaboradoras, amantes y musas: Juliette Greco (Anna Mouglalis), Brigitte Bardot (Laetitia Casta) y Jane Birkin (Lucy Gordon). Las tres, excelentemente caracterizadas. Las tres, pura belleza y sensualidad. También aparecen Élisabeth Levitzky (Deborah Grall), su primera esposa, y la por entonces cantante pop juvenil France Gall (Sara Forestier).

Es curioso ver a Claude Chabrol como el productor de Serge. Este film es el trabajo póstumo del prestigioso director, y también de Lucy Gordon, quien se suicidó el año pasado.

Sfar es un reconocido guionista y dibujante de comics, y inventiva convierte a lo que podría haber sido un biopic del montón en un fascinante delirio visual, en función de uno de los temas centrales del film: la cara, la peculiar cara de Gainsbourg, con la que tuvo un complejo desde niño. Por eso hay visiones de caras gigantes que lo persiguen (un ser parecido al hombrecito narigón de La pantera rosa) y hasta un alter ego demoníaco, alto, de nariz y orejas desproporcionadas, interpretado por Doug Jones, especialista en componer criaturas en películas como El laberinto del fauno y Hellboy. Este nivel de locura audiovisual tal vez se pueda comparar con Frida, de Julie Taymor, pero de todas maneras el trabajo de Sfar es audaz, imaginativo, alegre, peligroso, dramático, tierno, muy sexual, muy inspirador. Como Gainsbourg, bah.

Sin dudas, Gainsbourg-Vie héroïque es una de las obras maestras del cine francés, del cine europeo y del cine mundial en lo que va del siglo XXI.

 

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