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28.02.10
XXVIII Festival Cinematográfico Inter. del Uruguay

Críticas

                    

 

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INAUGURACION

 

CLAUSURA

 

Y EL GANADOR ES…

 

El Secreto de sus Ojos (Juan Jose Campanella, Argentina, España, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

Basada en la novela “La Pregunta de sus Ojos” de Eduardo Sacheri, quien junto a Campanella también ha delineado el guión.

El contar con una novela siempre puede ser considerado como un primer boceto de un guión cinematográfico. Esto me recuerda a las novelas de Elmore Leonard, en las cuales la diferencia entre guión y novela a veces es ínfima; con “La Pregunta…” ocurre algo similar.

La historia de El Secreto… abarca tres décadas de sucesos argentinos. Benjamin Espósito (Ricardo Darin) es un empleado judicial que vuelve a Buenos Aires tras una ausencia prolongada para reencontrarse con la “ahora” jueza Irene Hastings (Soledad Villamil) y así, delinear una novela sobre un caso particular en el que ambos se vieron involucrados años atrás en la investigación.

El film intercala escenas de la actualidad y lo acontecido en la década del 70. Una violación y asesinato de una mujer cuya investigación plantea interrogantes que no terminan de cerrar, por un lado debido al mal e intencional accionar judicial.

Con varios géneros conjugados, el film rota desde aspectos de un “film noir” hasta un “thriller de suspenso”. La cuidada producción permite asociar a El Secreto… a un film de “calidad”. Demostrado con las diversas técnicas de filmación utilizadas (persecución en estadio Tomas A. Duco) por un director que ha tenido significancia internacional, quien mamó de la industria hollywoodense a la hora de trabajar en capítulos de series como Law & Order, House M.D. o 30 Rock.

Los ojos tienen una gran importancia en el film: las miradas encontradas en fotos, en sospechosos dan rienda a la asociación y a develar pistas que el film va dejando en el camino, en cierto modo, creando una complicidad con el espectador.

La historia de El Secreto… -así como sus géneros- también ronda diversos estados de ánimo: frente al incompleto policial negro, por no contar con una femme fatale entre otros, detrás del relato judicial se percibe una importante carga sobre una historia de amor, quizás lo mas importante. Espósito es un hombre ya jubilado de su profesión, tuvo que abandonar y dejar latente sus sentimientos por las circunstancias que se vivían en nuestro país durante el comienzo de la dictadura militar. Latente, porque algo en el caso no cierra y él, como hombre de valores, no puede dejar de cerrar esa etapa para comenzar con otra.

Las lecturas son variadas. El film tiene cuatro cortes marcados hacia el final, donde podemos considerar que si terminara en cualquiera de ellos, funcionaría igual. Pero, aquí se decidió por delinear el círculo y cerrarlo por completo, algo que el espectador a veces pide a gritos ante una obra cinematográfica actual, cuando éstas dejan inconclusos por doquier.

En materia actoral, tanto Darin como Villamil -quienes ya han compartido cartel en la excelente El Mismo Amor, la Misma Lluvia (también de Campanella)-, reivindican nuevamente sólidas performances y el gran trabajo de dirección de actores. Guillermo Francella, deja de lado sus personajes cómicos para lograr un secundario que podría considerarse el “héroe” del film en relación a la historia.

Me asombró gratamente la participación de Mario Alarcón en su rol de Juez, cada minuto de presencia en pantalla es imperdible, y el logrado casting de Javier Godino.

 

Francia (Israel Adrian Caetano, Argentina, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

Atípico y netamente el film más personal de Caetano, un director que ha sabido contrastar realidades de la sociedad argentina en sus anteriores registros filmicos y para TV. Lejos del drama policial, carcelario o realista que ha presentado en otras, aquí se interioriza en un drama familiar, una pareja separada que tiene una pequeña hija con desordenes de conducta canalizados en el ambiente escolar. Padre (Lautaro Delgado), Madre (Natalia Oreiro) e hija, tambien del director del film (Milagros Caetano).

La interacción de los tres personajes no solventa lograr una mirada consistente sobre la temática que se desea contar. El film queda a medio camino de encontrar una senda por la cual llegar a su cometido. Las actuaciones son apenas correctas, Natalia Oreiro, con un rol distinto a sus anteriores, una mujer que debe salir a trabajar como servicio de limpieza de una adinerada y caótica mujer mayor.

El film gira sobre el eje del personaje de Mariana, la hija, un rol hecho a medida de Milagros, quien está realmente bien a pesar de algunos sobresaltos o inexperiencia actoral, el film se mueve con sus pasos, sus presencia y ausencias. Denota la problemática infantil ante situaciones que involucran a mayores e implícitamente a menores.

 

Francia (Israel Adrián Caetano; Argentina, 2009)

Por Romina Gretter

Tibia, tibia. Esa es la mejor palabra que se me ocurre para definir esta última producción de Adrián Caetano. Veamos: una historia sencilla que nos cuenta Mariana, una niña que nos presta su visión sobre el mundo adulto. Unos padres trabajadores, de clase media baja, separados y agobiados siempre por problemas económicos. La necesidad hace que vuelvan a convivir los tres. Mientras tanto Mariana (quien se hace llamar Gloria) se escuda en la tecnología (escuchando música de su reproductor de CD a través de los auriculares o sacando fotos con su teléfono celular) para evitar sentirse arrastrada por los conflictos cotidianos de su familia.

Nada hay en la historia que sea relevante, nada en las actuaciones que se deba destacar. Lo más pomposo de la película, el tema musical final acompañando un pseudo final feliz (e infantil). Eso sí, Francia cuenta con una secuencia maravillosa, sin desperdicios en lo que atañe a la utilización del sonido, de diálogos que se repiten y se yuxtaponen, de una ralentización de las imágenes y de un trabajo general de montaje. Esa secuencia del intento de suicidio de la empleadora de la mamá de Mariana, es lo suficientemente buena para que al término de la película pese a tanta tibieza uno pueda sentirse satisfecho.

 

Francia (Israel Adrián Caetano, Argentina, 2009)

Por Matías Orta

Caetano suele sorprender. Por eso ahora nos trae una de sus obras cumbres junto con Un Oso Rojo y Crónica de una Fuga.

Mariana (la estupenda Milagros Caetano, hija del director), una niña de doce años, vive una época  especial. Para  empezar, es hija de padres separados. Su madre (una ultranaturalista Natalia Oreiro), hace lo que puede trabajando encasas de gente bien si es que no está borracha. El padre (Lautaro Delgado) es un gris empleado de fábrica que se queda sin nada, debe tratarse por problemas de abuso contra sus mujeres, pero igual trata de hacer feliz a la niña, quien además tiene inconvenientes escolares y no aprende a escribir bien porque se la pasa escuchando música en vez de leer. A pesar de todo, todos hacen lo que pueden para seguir adelante, más alá de que, cómo dice el poema que aparece  en la película, no hay posibilidades de ir a Francia.

No hay género más complejo y delicado que el de la comedia dramática. Caetano supo estar a la altura y nos dio un film pequeño, intimista, con momentos muy duros y otros muy graciosos. También se destacan en lo actoral Mónica Ayos, Daniel Valenzuela, Violeta Urtizberea y Lola Berthet.

Imperdible.

 

La Hora de la Siesta (Sofia Mora, Argentina, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Dos hermanos adolescentes parafrasean, divagan, conversan en distintos encuentros deambulando por un barrio.

Acaban de padecer una perdida y sus conversaciones rondan hacia un asomo a lo vago y sexual, algo inentendible que crea suspenso adicional.

La puesta en escena es destacable, como el uso del blanco y negro, locaciones y planos, pero el film se queda a medio camino con el afan de pretender o querer llevarnos a lugares donde creo ni siquiera la encargada del film tiene bien claro.

 

La Invención de la Carne (Santiago Loza, Argentina, 2009)

Por Florencia Gasparini Rey

 

Dos personajes. Soledad. Silencio. Obsesión. Un viaje incierto. Y la carne, siempre la carne. El cuerpo humano cosificado por el dolor, por la ausencia de sentido, por la extrañeza.

Santiago Loza sorprende una vez más con una película inexplicable, en el mejor sentido de la expresión. Porque el cuerpo es indefinible, y hay impresiones que no se pueden nombrar. ¿Cómo explicar sensaciones como el dolor, el hambre, la angustia? No hay palabras que describan los sentimientos, las necesidades más profundas del ser.

Las razones de estos personajes son universales, hay una cuestión con lo orgánico que atraviesa toda la película pero que además nos atraviesa como seres humanos: la necesidad de afecto, la búsqueda de sentido, el instinto de procrear, conservar la raza, superar nuestra propia existencia.

La carne es el significante estrella de esta historia. La sutileza con la que está filmada la convierte en algo etéreo, tanto que por momentos se pierde la noción de forma, espacio. Cada uno de esos planos detalle de la piel despliega un abanico de sensaciones al servicio del espectador: la carne conmueve, impresiona, excita.

Vuelvo al principio, La invención de la carne es una película inexplicable. Porque nada de lo que se dice tiene sentido en sí mismo. Sólo viendo y principalmente sintiendo con el alma y con el cuerpo es que se puede llegar a comprender el significado profundo de esta película, de estos personajes que nos parecen extraños, alienados, pero que en realidad esconden en su esencia sentimientos y deseos que nos son comunes a todos.

La elección de los protagonistas es insuperable. Sus cuerpos y sus rostros son únicos, son la encarnación perfecta de la complejidad de este relato, es como si hubieran sido “creados” exclusivamente para esta película. Cada parte de sus físicos habla y cuenta mejor que las palabras todo aquello que con maestría Loza quiere comunicar.

Cuesta no volverse repetitivo cuando se habla de esta película, porque es imposible poner en palabras sensaciones tan íntimas, tan humanas y a la vez tan instintivas que nuestra razón no puede explicar. La invención de la carne es devastadora y a la vez maravillosa. Una obra de arte, un viaje al mundo de las sensaciones.

 

La Invencion de la Carne (Santiago Loza, Argentina, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Santiago Loza, un director que viene haciendo eco con sus trabajos, quien ya ha incursionado en dramas intimistas con una velocidad determinada, su anterior proyecto fue el documental Rosa Patria, presentado y galardonado en el reciente BAFICI.

Aquí Loza indaga sobre un joven estudiante de medicina, extraño, con una enfermedad que lo aisla de la sociedad, cuidado por una mujer a la orden de su madre. Una mujer es voluntaria en la facultad y presta su cuerpo para el aprendizaje, el joven, quien ha sido parte de la práctica la persigue e invita a un viaje, al que, sin conocerse ella acepta.

El film tiene como tercer personaje a la carne, el cuerpo, un personaje orgánico presente en todo el relato atipico. Como Cronenberg tambien presenta en sus films, la utilizacion de lo carnal, Loza se vincula a un aspecto mas ligado a lo sensual y sensorial.

Según relatado por el director presente en la función, el proyecto ha sido difícil de concretar, por no tratarse de un relato mainstream, los actores sin embargo no podrian ser otros que los que han sido seleccionados, ambos provienen del mundo de las tablas.

 

La Tigra, Chaco (Federico Godfrid, Juan Sasiaín, Argentina, 2008)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Con el término “La Tigra” no nos referimos a un felino, asi ha sido nombrado un pueblo sito en el Chaco, de escasa extensión, lugar tranquilo donde la siesta es sagrada, la calle principal brilla por la soledad, un ejemplo de pueblo de aquellos en que los jóvenes migran hacia las grandes ciudades, para educarse, conseguir trabajo y desarrollarse en materias que en La Tigra no han de poder.

Esteban ha sido uno de esos adolescentes, ya adulto, vuelve a La Tigra con la misión de conversar con su padre, él tiene algo que decirle, algo de qué hablar. Este acontecimiento se pospone, su padre, un conductor de transporte de carga no ha de volver por un par de semanas, dentro de las cuales Esteban, a la espera, se interna nuevamente en el sitio que alguna vez fue su lugar, donde captó aquellos conocimientos que no son enseñados en instituciones cercanas ni lejanas, el lugar donde pasó su infancia, donde es reconocido por cada uno de sus vecinos.

En ésta vuelta, reencuentra a Vero, quizás en otros términos, su amiga de infancia, estudiante de medicina, quien por las tardes ayuda a su madre en las tareas de cocción de viandas. Vero al igual que Esteban, ha cambiado, sin embargo, conservan “algo” entre ellos, algo que se realimenta al reencontrarse.

El lugar constituye un protagonista más en el relato, con frescura y tranquilidad, los  humildes  integrantes natos de pueblo son captados con armoniosa naturalidad, el mate es el elemento que genera las “juntadas”, un elemento de grandeza al momento de vincular personas socialmente. Vero y Esteban, recorren el pueblo, recuerdan y generan situaciones que los retrotraen a la infancia en común. Una peña, un partido de futbol, un taller de arreglos varios, lugares y situaciones desde las que se delinea una historia sencilla.

Opera prima de Federico Godfrid y Juan Sasiaín, co-directores y guionistas del proyecto, egresados de la carrera Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, impusieron su marca en el Festival de Cine Internacional de Mar del Plata al ser galardonados con el premio FIPRESCI, uno de los más importantes. Deambulando por la ciudad, casi pasando desapercibidos, la repercusión de su obra en espectadores, critica y jurado, resultó convertirse en una de las mayores sorpresas del festival. En el discurso de otorgamiento del galardón denotó un agradecimiento hacia la existencia de la universidad pública en Argentina, recibiendo una gran ovación del público presente, no es frecuente que se agradezca a una institución educativa estatal, de la cual gran cantidad de  cineastas han surgido frente a otras escuelas de cine, en auge en Argentina.

El resultado es una experiencia de nuevos cineastas, humilde y de bajos costos, con una enorme integridad al momento de querer contar una historia, por más pequeña que ésta sea.

 

 

Vikingo (Jose Celestino Campusano, Argentina, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Segundo largometraje de Jose Celestino Campusano, junto a su productora Cine Bruto. Ganadora del Work In Progress del 23ºFestival de Cine de Mar del Plata.

Tras presentar el año pasado una de las sorpresas en el Festival, Vil Romance, ésta vez Campusano ahonda nuevamente sobre personajes dentro del conurbano bonaerense, marginales, una tribu de motociclistas apasionados en su submundo, con determinados códigos caracteristicos, realidades inherentes a la convivencia, experiencias de vida, la relación con las drogas y delito en menores. El personaje principal es “Vikingo”, una especie de rey del clan, un hombre a quien no debe confundirse por su aspecto, detrás de su coraza de “tipo rudo”, con sus tatuajes, cuero y artesanias yace un ser magnífico, digno de un lider, honesto, con valores, brutal.

Al mostrarnos este submundo real, aquí nadie duda que lo acontecido por más que se trate de ficción pueda suceder, y es allí al igual que en sus otros trabajos donde Campusano gana al espectador, con su credibilidad. Sin importar que los interpretes sean no-actores, cuestión que se nota abruptamente por momentos, en particular las miradas a camara, capaz algo a tener en cuenta a mejorar en sus futuros proyectos. A favor, la puesta en escena, fotografía y sonido, se ven notablemente mejoras en relación a su anterior realización.

 

HOY ES MAÑANA

 

El Hombre de al Lado (Gaston Duprat, Mariano Cohn, Argentina, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Luego de la ovacionada en el pasado Festival de Cine de Mar Del Plata, El Artista, Gaston Duprat y Mariano Cohn vuelven a atacar contra el modernismo y el arte en una comedia efectista presentada en HD.

Leonardo (Rafael Spregelburg) es un diseñador exitoso de sillones para hogar y oficinas, él vive junto a su esposa snob y aburrida hija en una mansión de moderna arquitectura ubicada en La Plata, específicamente la Casa Curutchet, única construcción de Le Corbusier en Latinoamerica. El conflicto surge cuando en la casa contigua, un nuevo vecino derriba parte de una medianera para construir una ventana, según sus propias palabras “para robar un poquito del sol que a su vecino le sobra”. El invasivo y a su vez manipulador inquilino (Daniel Araoz), inteligentemente y con un choque de culturas buscará todas las vueltas posibles para concretar su cometido, enfrentándose e iniciando una guerra de vecinos inigualable.

Se hace una explicita y reiterada critica al nuevo mundo del arte, critica que ya habian realizado en El Artista con mayor sutileza y efectividad. El Hombre de al Lado juega aun mas con la comicidad, por ir deconstruyendo al personaje compuesto por Daniel Araoz, quien sobresale en su labor.

 

El Hombre de al Lado (Gastón Duprat/ Mariano Cohn; Argentina, 2009)

Por Romina Gretter

 

Luego de la excelente e imperdible El artista esta dupla de directores soportaban todas las miradas encima. Su próximo trabajo tenía la difícil tarea de estar a la altura de su última producción. Bueno, El Hombre de al Lado logra ese cometido, aunque reiterando ciertas falencias en la última etapa de su estructura narrativa, o sea en el final. 

Unos vecinos muy diferentes divididos por una medianera, que terminará representando mucho más que una simple pared. Cuando Víctor, el vecino grasa, gritón y mal hablado decide construir una ventana, el mundo supuestamente perfecto de Leonardo, el vecino snob, creído y políglota entra en conflicto, poniendo en evidencia la bajeza y soledad de su existencia.

Ácida, audaz, hasta por momentos cruel, esta historia con mucho de comedia encierra subtramas que muestran la sordidez de nuestros vacíos emocionales.

Sí, estamos otra vez ante un excelente film de Duprat/ Cohn pero que como decía al principio falla en su desenlace. Ocurría lo mismo en El Artista, pero allí sabía que sus innecesarios diez minutos finales tenían que ver con un tema de co-producción. En El Hombre de al Lado me encuentro ante un final inesperado y discordante con lo que se me venía proponiendo. La sorpresa le gana la pulseada al suspenso y la película termina absorbiendo un golpe sin el que podría ser una obra mucho más redonda. 

 

Paco (Diego Rafecas, Argentina, 2010)

Por Julia Panigazzi

 

Esta es la historia de Paco, el hijo de una senadora del congreso de la nación Argentina de carrera en ascenso, quien es acusado de volar una cocina urbana de cocaína. Es adicto a la droga que da nombre a la película y es internado en un centro de rehabilitación muy especial donde entre flashbacks y la ayuda de sus compañeros logrará salir adelante.

El director de Un Buda (2005) reunió a un elenco muy armonioso, donde tal vez se pierde el silencioso Tomas Fonzi que hace lo que puede con la poca profundidad que tiene el personaje que interpreta que no es nada más ni nada menos que el principal: Paco.

El film sorprende, aunque  con una estética a la que nos acostumbramos últimamente, una banda sonora que vende,  es la forma de relato coral que va tomando el film  , más allá de que en algun momento  puede pasar por un unitario o serie de tv de canal 2, la vieja Ámerica o con un poco más de profundidad de canal 7, la Tv Pública.

Y es que poco a poco se convierte en un “Locas de Amor” pero con todos actores de primer nivel: Paco luego de ser encontrado inconsciente en el lugar del hecho debe ingresar, para no ir a la cárcel, a un prestigioso centro de rehabilitación donde Nina (Norma Aleandro) es la coordinadora de un grupo conformado por Juanjo (Luis Luque) , el Indio ( Juan Palomino) y Julian  (Salo Pasik) es allí donde  conoce a un grupo de drogadependientes lindos y locos de los cuales conoceremos parte de su pasado y como sobrellevan su presente, ellos son interpretados por   la bella Leonora Balcarce, el Benjamin de Valientes: Guillermo Pfening , la callada Sofia Gala Castiglione, la irreconocible Romina Richi , Valeria Medina como la border y Roberto vallejos como su protegido, Lucrecia Blanco como la cheta fiestera y finalmente Sebastian Cantoni como el rockstar colgado.

Los únicos algo estereotipados, pero que igualmente pasan algo desapercibidos, son Esther Goris, como la madre política que no conoce a su hijo y Gabriel Corrado como Raul, su asesor que fuma un habano y toma café..

Todos ellos junto con Claudio Rissi, conforman el grupo actoral que sostiene este film con una historia algo débil que no termina de definirse si es a  modo de denuncia, algo light si era la idea, o si solo es mostrar una realidad sin tomar partido.

Ricky (Francois Ozon, Francia, Italia, 2009)

Por Jose Luis De Lorenzo

 

Con reminiscencia a Toby, el Niño con Alas, aquel film español visto hasta el hartazgo en la Tv argentina de los 80s. Ricky trata sobre la concepción de un niño diferente. Concebido por una pareja de trabajadores, que se conocieron ante el eventual desempleo de la mujer, quien, con ya una niña da luz al pequeño Ricky, un hermoso bebe que comienza a despertar la atención de su madre ante comportamientos extraños en un menor. El film retoma una dirección hacia el genero de thriller de suspenso, alternando hasta un drama. Los moretones aparecidos en la espalda del bebe, son interpretados como un abuso o violencia de parte del padre (Sergi Lopez) quien desaparece de la trama y de la vida de la familia ante tal acusacion. En esos meses, Ricky demuestra continuar con esas lastimaduras hasta que un dia evoluciona fisicamente mostrandonos que el resultado de esos sintomas era el eventual crecimiento de “alas”.

Por momento el film remite tambien a E.T: El Extraterrestre, por la persecución de reporteros y medios por lograr la noticia, la inexplicable acción de la madre, en un guión muy pobre y desconcertante con el cine que hemos sabido apreciar de Ozon. Hasta el momento, su obra más fallida.

 

Whisky con Vodka ( Andreas Dresen, 108 min )

Por Jose Luis De Lorenzo

Inusual comedia, irreconocible de pertenecer a su origen aleman.

Una parodia sobre el rodaje de un film que tiene como protagonista a Otto, una estrella antigua de cine, irresistible para las mujeres, quien, luego de su apogeo tiene un grave problema de adiccion alcoholica.

El conflicto se desata cuando el director decide contratar a un actor mucho mas joven para filmar escenas paralelas a las interpretadas por Otto. El joven no llega a la altura de la performance y cuenta con todo el rechazo del cast, falta de quimica. No obstante, las disparates que tienen a lugar va acercando a ambos actores a mantener una relacion arbitraria.

La comedia tiene un aire de films dentro de films como solo Hollywood ha concretado al momento, me viene a la mente un recuerdo vago de State and Main de Mamet y tantas otras.

El resultado se plasma en lograr un film querible, sobre todo hacia el personaje de Otto, quien tras sus constantes caidas mantiene en pie su actitud y enfrenta a todo un sistema de producción.

 

Fontana, La Frontera Interior (Juan Bautista Stagnaro, Argentina, 2009)  por Rodolfo Weisskirch

 

Hacer una superproducción histórica en nuestro país no es tarea fácil, y la mayoría de ellas son bastante decepcionantes. A la vez, el hecho de que Stagnaro está detrás de cámara, un director pretencioso, artificial, alejado de una calidad artística, ajeno al cine de autor, no es garantía de éxito. Sin embargo, está película financiada por lo gobiernos de Chubut, Chaco, Formosa y San Juan es mejor de lo esperado.

En Fontana, se narran las peripecias de Luis Jorge Fontana, militar argentino y naturista que recorrió y exploró el territorio nacional entre 1879 y 1910. Lucho en la guerra del Paraguay en la frontera formoseña, exploró “el impenetrable” en El Chaco, y fue el primer gobernador de una hostil colonia irlandesa protestante en Chubut, en el  límite con Chile. Dividida en tres diferentes momentos, la película de Stagnaro recrea de manera sorprendente con gran verosimilitud y una cámara ágil, trepidante, el conflicto en la triple frontera, donde las mayores víctimas era aborígenes a los que obligaban a pelear. Gracias a Fontana, se formó la Ciudad de Formosa. Tras ese episodio bélico, se pasa a uno más dramático y denso, donde el protagonista lucha con las enfermedades de la selva chaqueña, al tiempo que escribe cartas a su prometida. El tercer y más tranquilo episodio, donde se narra el conflicto de Fontana por unir las colonias europeas con las poblaciones del sur argentino, termina siendo un poco más denso y soporífero. Monótono. Solo los paisajes fotografiados bellamente por Diego Poleri resaltan en este episodio con clima más romántico que épico. Por último hay un epílogo de Fontana anciano (Jorge D’Elia) luchando contra el gobierno de San Juan, para que se construyan edificaciones resistentes a los sismos.

Guillermo Pfening acierta a no darle demasiada solemnidad ni tampoco a sobreactuar al personaje histórico, lo naturaliza, por lo cual resulta identificable, humano, creible. Las escenas de batallas, acción y aventura sorprenden. Más allá de que narrativamente la película decae y se alarga innecesariamente con el correr de los minutos, la intención de dar a conocer un personaje tan importante para la historia nacional es válida, y el esfuerzo de producción quedaría recompensado cuando la película llegue a las escuelas primarias y secundaria, dada que la principal meta, de los realizadores, es completamente didáctica. El que desee encontrar una película de época con pretensiones más artísticos que busque en otro país.

 

 

EL ACONTECIMIENTO

 

UN DIA, UN FILM

 

LO MEJOR DEL FESTIVAL DE MALAGA

 

INVITADO ESPECIAL: EL CINE GRIEGO

 

LA REVELACION: EL CINE ARMENIO

 

EL VALS  DEL ANIVERSARIO

 

HOMENAJE A JOSE LUIS LOPEZ VAZQUEZ

 

Y NADA MAS QUE LA VERDAD / Zona Documental

 

LA NOCHE AMERICANA

 

LA HORA DE LOS CHICOS

 

…LA PELICULA SORPRESA

 

Lo Bueno, si Breve…

 

CORTOS DE LA ESCUELA DE EXPERIMENTACION Y REALIZACION CINEMATOGRAFICA (ENERC)

 

CORTOMETRAJES GANADORES EN EL CIRCUITO DE FESTIVALES DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES

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